| 合着欧洲的舞步起舞(二) |
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作者：中国美术高考 文章来源：101ms.com 点击数： 更新时间：2006-12-17 1:55:15  |
惠斯勒出生在美国，在青少年期随父母在俄国住过六年，成年后在巴黎、威尼斯画画，老年在伦敦过世。他在伦敦住的时间最长，而且在那里获得了极高的声誉，英国人甚至愿意把他当成是自己的画家。但惠斯勒是一个国籍所不能限制的人，他随便住在欧洲的哪一个国家都可以画他唯美的画，他的艺术因此也是国际性的，追求的是美与和谐，与任何地域或民族的因素无涉。从１８６０年起，惠斯勒就开始画一些不以人物为重而以画面上的色彩关系为重的作品，比如他１８６４年创作的“白衣少女”（图２２），故意选取白色——少女身着一身纯白色服装——来向自己的色彩感挑战。因为白色等于是无色，在没有颜色的地方或者说颜色最少的地方就只能靠了色调、色阶的最小变化来塑造形象了，这在技术上是很难的。但这对惠斯勒来说没有问题，他有极好的色感。他曾对他的朋友说过，“我能够画一栋衬着白云的白色建筑。仅是做到这一点就足够让一个人成名了。”这话不无道理，只有对色彩极敏感的人才能画这种技术上高难度的画。由于惠斯勒所画的人像都是“醉翁之意不在酒”——不在乎画了谁，只在乎如何用色，后来，他干脆把他的肖像画起名为色彩的“交响曲”。如这张“白衣少女”后来被他称为“白色交响曲二号”；他的另一张有名的画“母亲肖像”被他称为“灰色和黑色的排列一号”。
这样一种追求，导致惠斯勒后来走得更远。在１８７４年他画出了一张非常印象的、几乎是抽象的画，题目叫“黑色和金色的夜曲——堕落的烟火”（图２３）。画面是一片黑色上有些金色的飞溅的笔触——代表烟火。观画者必须记牢了烟火这个题目，才勉强可以接受他的画算是具象的。如果不看题目，人能看到的只是一些色点而已，这在当时就走得太远了。这张画使得不少人觉得受到了愚弄，包括当时英国著名的艺术评论家罗斯金。罗斯金就出面批评说：“以前，我倒也见识过乡巴佬的粗鲁无理，却从来没听说过一个花花公子竟能把一桶颜色直泼到公众的脸上，还要向人索要两百几尼。”观众看画展需买门票，罗斯金倒是替观众把他们的委屈说出来了，但由于这话说得刻薄，惠斯勒火冒三丈，马上和他对簿公堂，两人的纠纷成了美术史上有名的案子。官司的结果是惠斯勒赢了，但他却因此破了产——他的律师费花得太高了。总之，这官司伤了惠斯勒的元气，官司打完后他只好跑到威尼斯去给人画了一段时间的版画，挣钱弥补自己的经济损失。
罗斯金说惠斯勒把颜色直泼到人脸上，那的确是对惠斯勒艺术创作的诬蔑；但说他是个“花花公子”，倒不是诬蔑。惠斯勒的生活作派是挺讲外表排场的，他极注重自己衣着和仪表，平常无事也丝毫容不得马虎走样。只因为他是个艺术家，他便把自己对形式和色彩的讲究带到生活的每一个方面——这和如今蓬头垢面、边幅不修的艺术家大不相同。据说他的日常妆扮是，黑色的常礼服，白裤子，漆皮鞋，高礼帽，夹鼻眼睛和一根长手杖——最标准的欧洲上流绅士的打扮。他还不只是妆扮自己而已，还连带地妆扮他的生活空间，因为那是给他的存在提供的背景——画家从来不会只画人物，不管背景的。我们现在不妨来读一读当时的人给我们留下的记载：“一进他的客厅，就被他客厅的黄色墙壁迷住了，这黄色从墙根慢慢升到天花板上，令人觉得象坐在六月的温暖美丽的夕阳里。沿着窗子，放了纯蓝色和纯白色的陶器，里面插着摇曳生姿的绿色植物……当惠斯勒走进客厅的时候，我立刻觉得，这个客厅的整个布置是为了他而存在的，是为了给他这个人的出现做成一个和谐悦目的背景而设计的。”瞧，这样一个在生活中也对形式如此讲究和有口味的人，对艺术上有纯美的追求，是“理应如此”的吧。
惠斯勒对艺术纯形式的追求，随了欧洲艺术发展的大趋势，使他获得越来越多的追随者，其中有欧洲画家，有当时在欧洲学习的美国画家们。
萨金特（Ｊｏｈｎ Ｓｉｎｇｅｒ Ｓａｒｇｅｎｔ，１８５６－１９２５）是另一个美国“公子哥儿”，漂漂亮亮地穿衣服，漂漂亮亮地画画。和惠斯勒一样，他也是在欧洲待的时间多。他出生在意大利，从小在欧洲长大，他最初的艺术教育是在佛罗仑萨接受的，后来他到了巴黎，再从巴黎的画家学画。他的这个经历，也使他的艺术具备了国际性——在哪里都可以画画，在哪里都可以参加展览。但比起惠斯勒来，他的艺术少一些开创性，他只是在技巧的学习上掌握得比别人都好，都熟练。技巧成了他的长处，却也因此成了他的短处。因为艺术给人“技巧熟练”的感觉可不是好事，它更应该给人技巧之外的东西，高品位的艺术是让人不想到技巧的。但萨金特的画却让技巧成为他的特点。他的技巧吸收了当时印象派的“印象化”，即不再拘泥于细致完整的形体刻划。这样，他的笔触就“放松”多了，这种放松的笔触给人非常活泼灵动潇洒的感觉。同时，他又不象印象派那样走得太远：如让形体的边线完全松弛，甚至被光分解，化解。他画的人物从来都保持了形象的准确和完整，而且他画的肖像还有象照相机抢镜头的那种偶然和瞬间的感觉（图２４）。这些特点加在一起，使得他的画很“讨好”，人都爱看。他在欧洲和美国都出过风头，但在当时，就已经有人认为他的艺术很“表面”。在他过世之后，“表面”成为对他艺术的定论。然而，现在又另有说法，觉得，他的“表面”正是那个时代的特点，他的作品正可以给一个华而不实的时代做注脚。在这个意义上，他的艺术成了另一种深刻。
象萨金特这样技巧熟练的美国画家，当时还很有一些。比如象杜维尼克（Ｆｒａｎｋ Ｄｕｖｅｎｅｃｋ，１８４８－１９１９），蔡斯（Ｗｉｌｌｉａｍ Ｍｅｒｒｉｔｔ Ｃｈａｓｅ）这样的人，他们在欧洲都学得很用心，成绩也非常好。他们的画，绘画性很强，在技巧上他们完全不输于欧洲画家，他们向欧洲人证明，美国人可以和欧洲人画得一样好。这样的人回到美国，就把纯正的欧洲趣味引入美国，这趣味就是色彩丰富，用笔潇洒，“画意”盎然。他们在美国画坛传播了欧洲风气，同时也真的把美国的沙龙艺术提高了一个档次。
十九世纪后期欧洲艺术的重头戏是印象派，印象派的美国追随者有不少人，其中最出色的要算一个女画家玛丽·卡萨特（Ｍａｒｙ Ｃａｓｓａｔｔ，１８４５－１９２６）。卡萨特不仅在美国美术史上有名，在欧洲印象派史上她也占一个位置。她干脆就住在巴黎，成年跟印象派画家“混”在一起，参加他们的展览，她等于就是印象派队伍里的一个美国成员。德加就是她的好友，他们之间的友谊维持了有四十年。是德加引导她走进了印象派，而且在艺术上影响了她终身。象德加一样，她也画生活里的人瞬间留下的动作和印象，而且是生活中的边角小景。由于她是女性，她的画就没有德加那么冷峻，而是有一股温暖的气息。后来她对母亲和孩子有更多的兴趣，她画了好些这种温馨的母子图（图２５），而她自己倒没有结婚，也没有孩子。这么醉心于母子亲情，自己倒不以身相试，也是一个谜。莫非她做了画家，就习惯了把自己总放在一个观察者的位置上？所以，她只是观察和画，画了这么多年，在技巧上是无懈可击的，但她并不是一个有突破性的画家，她只是把印象派的技法贯彻得比较好而已，是印象派这个老师门下的好学生。
当时还有一些专学印象派的美国画家，他们中间有罗宾逊（Ｔｈｅｏｄｏｒｅ Ｒｏｂｉｎｓｏｎ，１８５２－１８９６），哈萨姆（Ｃｈｉｌｄｅ Ｈａｓｓａｍ，１８５９－１９３５），本生（Ｆｒａｎｋ Ｗ．Ｂｅｎｓｏｎ）等人。玛丽·卡萨特虽然对印象派技法掌握得最好，但她长年住在欧洲，几乎等于是欧洲人，倒是这些人在欧洲学到印象派手法后，把它带回了美国。到了１８９７年，这些常年以印象派手法作画的画家，自成团体，推出了一个“美国画家十人展”，这个画展和它的参加者使得印象派在美国很流行了一段时间。如果平行地和欧洲比较，美国这个印象派团体在美国社会上并不具备法国印象派在法国社会上的革命性以及轰动效应，在美国人眼里，他们只是学来了一种外国的新技法，而且美国学印象派的画家都没有也不愿意在这个新技法的方向上走得太远，象莫奈晚年画的“睡莲”那样几乎画成抽象画，画面上只看见颜色的流动。美国画家始终抓住了具象，无论色彩如何朦胧闪烁，形象必须保住（图２６）。所以美国印象派画家在保守的和时髦的两个方面都没有得罪人，他们在美国的处境很是实惠，他们适当地往风景或风俗画中放进活泼的笔触，绚丽明亮的颜色，画幅也不大，买一张挂在家中，赏心悦目，远比当时美国学院派的严肃、规矩甚至死板的作品要受看，所以很得美国观众的喜欢。直到今天，我们在美国的画店里还可以看到用印象派手法画的作品在出售。
在那个时期，美国的艺术潮流虽然是欧洲压倒一切，但仍有几个美国画家独立于潮流之外。在当时，他们仿佛是一首合唱中的几个不和谐的音，而如今看来，他们却是美国艺术家中弥可珍贵的人物。
荷默（Ｗｉｎｓｌｏｗ Ｈｏｍｅｒ，１８３６－１９１０）是一个道地的美国汉子，画出的画非常有美国性格，在感觉的直截了当，作画的干脆爽利，题材的本色，气质的阳刚方面，无人能出其右。由于他独立特行，不肯向规矩就范，却又画得好，让人对他又恨又爱。比如，那时有个批评家评价他说：“没有哪一个人象他那样，从技术上说他的画是可厌的，但同时却也没有一个人能象他那样画出了很了不起的作品。”是的，他的作品看上去粗旷直率，不文雅柔美，却也因此火辣辣，活生生，“原汁原味”。规规矩矩的画家绝达不到这种面貌。(待续)
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